Oreo, il biscotto preferito dal latte, oltre a essere inzuppato, è da sempre “sezionato” da molti dei suoi consumatori: sono in tanti a dividere i due dischi di biscotto che “proteggono” la crema per poterla gustare separatamente. Il brand ha iniziato a raccogliere i progetti di “separator machine” messi a punto da stravaganti inventori e li ha resi dei veri e propri branded content.

Tempo fa è stato lanciato dalla Oreo il “Super important test” volto a stabilire se sia da preferire il biscotto al cioccolato o la creama alla vaniglia, tra i due elementi che compongono uno tra i più famosi prodotti da inzuppare nel latte. Ma la verità è che non credo sia possibile prescindere da nessuna delle due parti di un Oreo senza renderlo qualcosa di diverso, nonostante siano in molti quelli che preferiscono mangiarle separatamente.

Abitudine diffusa, infatti, è quella di dividere i due biscotti al cacao che contengono la creama alla vaniglia per leccarla via prima di inzuppare o divorare “a secco” i due gustosi dischi brandizzati. Pare siano in molti quelli che hanno prototipato addirittura delle “separatore machine” per rendere più veloce o più accurata l’operazione: i video che ne mostrano il funzionamento si trasformano in perfetti branded content ricchi di creatività e pensiero laterale, utilizzati da Oreo come veicolo di visibilità e awareness. Buona visione!

http://www.youtube.com/watch?v=pii4G8FkCA4

http://www.youtube.com/watch?v=w485VU-S0Ig

http://www.youtube.com/watch?v=ryas71YWsx4

http://www.youtube.com/watch?v=gBgfpl0lcIo

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Da poco è uscito il numero di Aprile di Comunicando 2013 [cliccando sul link potrete sfogliarlo e leggerlo online], il magazine per cui dall’inizio di quest’anno scrivo articoli relativi a brand management “e dintorni”. Il mio terzo intervento porta il titolo “Progettare strategie” e mira a definire le connessioni tra brand e design.

Nell’articolo si mette in risalto il fatto che anche il branding sia progettazione, solo che si tratta di design di strategie. Come per ogni tipologia di progetto complesso, è necessario seguire una metodologia di lavoro che, personalmente, derivo proprio dal metodo progettuale teorizzato da Bruno Munari nel suo “Da cosa nasce cosa”: 10 fasi ben differenziate e delineate portano, in sintesi, alla soluzione di qualsiasi tipologia di “problema” [anche se io a questo termine preferisco sempre quello di "questione", tento per non drammatizzare] in tutti i campi del design, che si tratti di lampade o di strategie per la marca. Buona lettura!

Le altre mie pubblicazioni

Per il mio compleanno mi sono regalata un week-end lungo a Nizza, quasi 5 giorni di vita da turista tra arte contemporanea e piatti tipici. Per me non c’è nulla di meglio per rigenerarsi che morire di fatica percorrendo kilometri in città sconosciute, sforzandosi di riesumare conoscenze linguistiche sepolte nella memoria e riempendosi gli occhi [e la pancia! ;P ] di cose nuove.

Ho compiuto 34 anni lo scorso 26 Marzo [in onore del mio compleanno ho scritto il post sul pennone BIC a 4 colori, ricordate? ] e, oltre che per coltivare la mia passione per i viaggi, per mostrare 10 anni di meno anziché 1 di più ho deciso di regalarmi una bella vacanza da turista 2.0. Non avendo del tutto placato il mio “bisogno di Francia” con il precedente viaggio a Bordeaux [seppur veramente soddisfatta da quella esperienza, come avrete notato dal proliferare di post a riguardo], la meta prescelta è stata Nizza anche perché risultava assolutamente votata all’arte contemporanea [basta guardare la struttura dedicata alla biblioteca, è quella con il collo che vedete nella GALLERIA FOTOGRAFICA che ho aggiunto alla fine del post].

Nizza è una città incantevole. Quando non piove [i primi due giorni il meteo non ci ha sorriso!], passeggiare per le stradine della Vieux Ville o sul lungomare, come star seduti sui ciottoli della spiaggia a guardar le onde, dona un’impagabile sensazione di relax, del tipo per cui ti senti allegro – complice anche il vento che soffia quasi incessantemente, ma senza essere fastidioso – e ti vien voglia di correre.

QUESTIONI LOGISTICHE: VOLO, ALLOGGIO E PUNTI RISTORO

Stavolta ho tradito Ryanair in favore di EasyJet e, in generale, non me ne sono pentita. Mi sembra che Ryanair attualmente abbia aumentato il costo dei suoi voli, tanto che per nessuna meta era competitiva nei confronti dell’altra compagnia. EasyJet, inoltre, assegna automaticamente i posti a sedere evitando che si possano verificare le classiche “corse a chi arriva prima”, non dà limitazioni relative al peso del bagaglio a mano ma solo sulle sue misure [peraltro di qualche centimetro più generose della concorrente] e ha spesso imbarchi collegati agli aeroporti tramite il “finger” [quella specie di "tubo" che collega direttamente aereo e aeroporto senza dover salire sulla navetta]. L’unica noia del volo è stata al ritorno quando, per motivi poco chiari, il mio bagaglio è finito in stiva nonostante ci fosse posto nelle cappelliere e rispettasse tutte le norme di imbarco dettate dalla compagnia: tale “dettaglio”, tra una cosa e un’altra, ha ritardato il mio rientro a casa di quasi due ore. Ma vabbè!

A Nizza ho alloggiato – come già a Bordeaux – presso il residence Adagio Access Nice Acropolis, che si trovava al 42 di Boulevard Risso, proprio vicino all’Acropolis Expositions, sempre a due passi dal centro e vicino a qualsiasi cosa possa interessare un turista. L’Adagio Access è una catena che offre mini quanto confortevoli [e puliti] appartamenti dotati di wi-fi gratuito e angolo cottura [una salvezza quando piove tutto il giorno e se ne ha abbastanza di stare in giro! ]. Consigliato, ancora una volta!

Per rifocillarsi ho provato diversi posti, ma quelli che mi sento di consigliare sono i seguenti:

• Ronde des Pains [1, rue Gioffredo] un forno delizioso – in tutti i sensi – dove è possibile acquistare qualsiasi tipologia di pane, brioche, biscotti e torte. Ho speso qui 10 euro in media al giorno, ma non perché fosse caro, piuttosto perché l’indecisione mi suggeriva di portar via tutto e scegliere poi! Viene da lì il mega-pasticcino che mi ha fatto da torta di compleanno.
• Pâtisserie Lac [indirizzi vari] una boutique di golosità, per assaggiare più cose possibili consiglio di prendere le porzioni da degustazione come quelle che vedete poggiata sulla mia mano nella foto. Indimenticabili!
• Lou Balico [20/22, avenue Saint-Jean-Baptiste] ristorante di cucina tipica nizzarda: non potete perdervi l’assiette niçoise – che fa da antipasto misto – ma vi consiglio di dividerlo con qualcuno altrimenti non riuscirete a mangiare più nulla. Ottime anche le verdure ripiene, di cui ora purtroppo mi sfugge il nome in francese.

IL SISTEMA MUSEALE NIZZARDO: RIFLESSIONI

Innanzitutto è importante premettere una cosa: a Nizza TUTTI i musei sono GRATUITI eccetto il Musée National Marc Chagall. Lo staff dei musei ci tiene a dare questa che, già dalla loro espressione, è una meravigliosa notizia per qualsiasi turista: loro stessi ne sembrano particolarmente entusiasti, ci tengono a specificare che è così da 5 anni… e questo mi fa riflettere – come spesso accade quando sono all’estero – sulla mia amata Italia.

Nizza non è una metropoli, è una città non molto grande e non particolarmente densa di attrazioni turistiche, eppure – tranne un caso, come poi vi troverete a leggere – nei musei c’era sempre un discreto numero di visitatori nonostante fosse una qualunque fine di Marzo in giornate prive di ricorrenze e festività. Le mie elucubrazioni riguardo l’entusiasmo relativo alla gratuità degli ingressi ai musei mostrato dallo staff mi portano a pensare che presumibilmente non ci fosse moltissimo turismo a Nizza e che sino a 5 anni fa i luoghi deputati a mostre e cultura in genere non fossero particolarmente frequentati neppure dai Nizzardi, mentre ora la situazione pare cambiata e credo che all’economia generale della città tale strategia abbia giovato parecchio.

Che succederebbe se provassimo anche qui a fare un’operazione del genere? Io credo che i musei manterrebbero più o meno gli stessi introiti, ma che questi verrebbero generati da entrate diverse, quali – ad esempio – la vendita di souvenir, gadgettistica e pubblicazioni varie negli shop interni alle strutture espositive, ovvero semplici donazioni. Ritengo che le persone andrebbero molto più spesso in visita ai musei: magari si potrebbe offrire gratuitamente l’accesso all’esposizione permanente e far pagare solo le mostre temporanee o itineranti, ma a mio avviso il sistema non potrebbe che trarne beneficio. D’altra parte io stessa, nonostante sia appassionata di arte contemporanea, vado meno spesso in giro in assetto da turista a Roma ora che hanno aumentato di almeno il 30% i biglietti d’ingresso!

COSA HO VISTO: MOSTRE E MUSEI DI ARTE CONTEMPORANEA

MAMAC > Appena arrivata a Nizza mi sono catapultata all’interno del Museo d’Arte Moderna e d’Arte Contemporanea a cui è dedicata quasi interamente una grande struttura che già all’esterno espone alcune strutture. Lì mi sono letteralmente innamorata delle opere di Arman [artista a metà tra un cubista e un dadaista, specializzato nella vivisezione di strumenti musicali], Ben [ironico post-dadaista la cui arte utilizza moltissimo ironia e copywriting] e Christo [progettista di packaging per panorama ed esseri umani], oltre ad apprezzare le opere di Andy Wharol,  Niki de Saint Phalle, Yves Klein e molti altri.

Theatre del la photographie et de l’image Charles Negre > Qui, innanzitutto, è possibile vedere vecchie foto della Nizza di inizio ’900 che, con la loro atmosfera ovviamente vintage, permettono di comprendere le radici della poesia e dell’atmosfera di cui la città può godere ancora oggi. L’esposizione prevedeva: alcune meravigliose opere di Byung-Hun Min in cui i soggetti – per lo più nudi di donna – sfumavano letteralmente nel contesto in cui erano inseriti, perdendo i propri contorni ma – contemporaneamente – mostrando la propria essenza; alcune fotografie di Patrick Swirc che ritraevano importanti volti dello star system hollywoodiano in un bvianco e nero che definirei “color tempesta”, dato il nugolo di emozioni che riuscivano a smuovere; una serie di ritratti madre-figlia di Marion Gronier, scatti inquietanti effettuati durante un concorso di bellezza per mini-miss in cui appare evidente la capacità delle madri di riflettere sulle figlie le proprie aspirazioni fino a schiacciarne la personalità.

Musée Matisse, Musée national Marc Chagall, Musée international d’art naïf Anatole Jakovsky > Trittico di strutture espositive dedicate a un solo artista: la prima raccoglie un buon numero di pitture e sculture di Matisse  delle meno “famose” e i lavori del suo “entourage di bottega” fornendo un’esperienza appagante, seppur non esaltante; il secondo, unico museo di Nizza per il quale è necessario pagare l’entrata, è stato per me molto deludente, sia per le ridottissime dimensioni [soprattutto se commisurate agli 8,50 euro del biglietto], sia per il carattere monotematico delle opere di Chagall, tutte ispirate al “Cantico dei Cantici”; il terzo – esclusa l’atmosfera in stile “Shining” che regnava all’interno e che mi ha fatto istintivamente accorciare la durata della visita – collezionava molteplici pitture e sculture di Jakovsky mettendo in luce il suo interesse per i paesaggi, le persone, gli animali e le dinamiche sociali che, pur essendo rappresentati in modo stilizzato e con colori sgargianti, sono alquanto inquietanti, soprattutto le statue antropomorfe con i loro due metri di altezza media e l’espressione tra l’esterrefatto e il terrorizzato.

Musée des beux arts, Villa Massena, Palais Lascaris > Tre palazzi dalle esposizioni imperdibili: il primo possiede diverse opere a mio avviso notevoli, ma quella che ho apprezzato di più è stata l’enorme statua di Auguste Rodin dal titolo “Le Baiser” che mi ha letteralmente rapita; il secondo lascia abbagliati per la sua elegante struttura – in particolare per il meraviglioso “patio verandato” che costituisce in parte il salone – a cui è da aggiungersi la bellissima collezione di mobilio d’epoca; il terzo un po’ angusto, ma caratterizzato dai bellissimi arredi e dalla collezione di strumenti musicali d’epoca, alcuni probabilmente molto rari.

Espace Soardi, Galerie Ferrero, rue Droite e quai des Etas-Unis > Nizza è una città stracolma di gallerie d’arte. Alcune coincidono con botteghe d’artista che nascondono in piena vista lo spazio creativo e laboratoriale di chi vi espone; altre son luoghi meramente dedicati all’esibizione delle opere, quando provenienti da un unico estro, quando raccogliendo le risultanze di creatività differenti. Luoghi per guardare l’arte che si può comprare: in Rue Droite ogni vetrina è una galleria [io ho acquistato un'opera di Dury], il lungomare [la parte denominata quai des Etas-Unis] presenta due spazi abbastanza grandi – Galerie de Ponchette [al momento chiusa per lavori] e Galerie A. – dove si organizzano esposizioni di artisti contemporanei quotati sul mercato, ma le mie preferite sono Espace Soardi [9, avenue Désambrois - aveva in esposizione le bellissime fotografie di Albert Watson] e Galerie Ferrero [2, rue du Congrès - avrei comprato tutto: aveva le opere di Ben e di Arman!].

Che nostalgia! Quando si riparte? Intanto mi riguardo le foto.

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Quando la Coca Cola FM ha compiuto un anno di attività [voi lo sapevate che la nota bevanda aveva anche una radio brandizzata?] la corporate ha voluto regalare a tutti i suoi fan, che fossero contemporaneamente lettori del Capricho magazine, la possibilità festeggiare “amplificando” la musica dei loro party con un packaging creativo.

Non si è trattato solo di un’azione di co-branding tra la marca dell’analcolico probabilmente più bevuto al mondo e una rivista, bensì della progettazione di uno straordinario packaging attraverso un utilizzo “scientifico” quanto strategico del pensiero laterale. Lo studio della cartotecnica e delle fustellature ha permesso, infatti, di modificare la copertina del magazine in modo che il Capricho potesse venir arrotolato e mantenere la forma “a tubo” lasciando lo spazio necessario per inserire perpendicolarmente un iPhone in un certo punto specifico, in modo che il microfono dello smartphone preposto alla fuoriuscita del suono si trovasse all’interno del pack così ottenuto e, contemporaneamente, il device riuscisse a mantenersi stabile in una certa posizione. Il resto lo fa la fisica: tale formato permette alle onde sonore di viaggiare in due direzioni, intensificando l’effetto stereo creato dal dispositivo, dunque creando un naturale aumento di volume della musica.

http://www.youtube.com/watch?v=hgZ0KLWpicc

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Un packaging che stupisce e ha l’obiettivo di divertire, assolutamente in linea con i valori del brand Coca Cola: un’idea apparentemente molto semplice, ma che sicuramente ha necessitato una lunga fase progettuale per essere realizzata.

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Vi è mai capitato di trovarvi a una fermata dell’autobus, della metropolitana o alla stazione dei treni e non sapere come ingannare il tempo d’attesa che vi separa dall’inizio vero e proprio del vostro viaggio, per quanto breve o lungo esso sia?

Oggi, produttore di arredamenti dallo stile adatto al quotidiano, ha ideato un manifesto che – oltre a comunicare la convenienza e la facilità d’utilizzo dei propri prodotti – vi avrebbe tenuto compagnia in modo divertente invece di lasciarsi solo fissare.

Chi lo ha detto che l’interattività è una caratteristica propria solamente dei media digitali? Oggi, grazie alla creatività della sua campagna affissioni, ha trasformato un semplice manifesto in un’operazione di ambient marketing basata sull’interazione con gli utenti. Il manifesto, infatti, ideato in tre versioni differenti, è stato in realtà pensato per rappresentare un’a enorme pagina di enigmistica  tutta da giocare. Posizionati in luoghi strategici, i manifesti hanno visto un’intensa partecipazione attiva da parte dei passanti: molte le persone che ne sono state attratte e che hanno iniziato a giocare, gran parte delle quali sembra abbia poi approfondito la conoscenza del brand che tanto l’aveva divertita in strada.

Un’idea graziosa per rinnovare il modo di intendere le affissioni: mi piacerebbe fare enigmistica mentre aspetto bus e metro senza dover pensare a portarmela dietro!

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Altre campagne pubblicitarie

Altro sull’ambient marketing

Anche Illy lancia la sua idea per personalizzare l’esperianza del caffè in modo che sia assolutamente unica e legata all’individuo che la consuma. Ed è subito pubblicità comparativa, esplicita nei confronti dell’offerta Starbucks, implicita verso molte altre marche a quest’ultima assimilabili.

Illy parte dalla convinzione che Starbucks e altre catene brandizzate che vedono nella caffetteria il proprio core business propongano un servizio personalizzato di preparazione della notissima e consumatissima bevanda a base di caffeina basata sulla necessità di mascherare il gusto mediocre dei loro caffè con l’aggiunta di sciroppi e altri ingredienti artificiali.

Il brand Made in Italy leader nella produzione, nel confezionamento e nella costruzione di esperienze di gusto a base di caffè, forte della sua professionalità e al fine di ribadire che  “preparare un caffè di qualità sia una vera e propria arte che dovrebbe essere lasciata ai veri artisti”, lancia “The art of coffee maker”, la sua idea di caffè personalizzato basata sulla volontà di non distruggere la possibilità di assaporarne completamente il vero aroma.

Illy, ha infatti creato un distributore automatico di caffè in grado di erogare un espresso assolutamente personalizzato, che “rispecchia” completamente il proprio consumatore, tanto da somigliargli “fisicamente”: la macchina è infatti in grado di assimilare la fisiognomica dell’acquirente che le sta di fronte in modo che a questo basti sorridere e cliccare l’apposito pulsante per farsi fare una fotografia dal distributore che avrà poi cura di riprodurre sulla superficie del caffè che gli verrà servito.

http://www.youtube.com/watch?v=TetceEzF7qU

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L’idea è interessante, creativa, originale e – nonostante il contenuto ggressivo legato alla comparazione tra marche di caffè concorrenti – elegante. Il mood richiamato dalla grafica e dalla colonna sonora è legato alla tradizione, richiama il lungo passato produttivo della Illy e lo rende un valore aggiunto irrinunciabile per attestare e supportare la qualità indiscussa dei suoi espresso, attivando così anche le direttive proprie dell’heritage marketing.

Da notare come, alla fine del video che – oltre ad essere un’elegante opera di pubblicità comparativa dai toni vintage – serve a promuovere la trovata Illy, il brand lasci intendere che la condivisione attraverso Facebook, Twitter e Instagram di uno scatto che immortali l’esperienza di gusto personalizzata con la propria faccia è consigliata e  assolutamente gradita: in tale modo il valore della tradizione si collega con l’innovazione, la tecnologia e il presente, rinnovando la forza del brand e rendendola percepibile come assolutamente attuale.

Voi, che ne pensaste? A me è venuta una terribile voglia di caffè!

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Oltre all’app di catalogo, IKEA offre ai suoi clienti e ai suoi fan Klippbok, l’applicazione per iPad che permette di creare dei collage dei suoi prodotti per testare la validità delle proprie idee e saggiarne il risultato visivo.

Klippbok è una crasi che deriva da due termini ovviamente scedesi [klipp+bok] e letteralmente signfica “libro dei ritagli” con questa app per iPad, infatti, grazie alle funzionalità touch, si possono mixare i vari prodotti Ikea al fine di creare dei collage delle loro immagini e collezionare visualizzazioni dei vari stili possibili, riflettere sulle tonalità di arredamento di un ambiente, creare nuovi abbinamenti o semplicemente lasciarsi ispirare.

Le funzionalità dell’app sono diverse: oltre a poter selezionare alcuni articoli presenti nel catalogo Ikea per creare il proprio Klippbok, ogni immagine potrà essere rotata e spostata, se ne potranno variare le dimensioni e le sovrapposizioni con altri oggetti d’arredo. Tutti i collage potranno essere salvati sul proprio iPad ovvero pubblicati in una gallery, oltre a poter essere condivisi su Facebook, Twitter e Pinterest.
L’app è collegate alle informazioni sui prodotti e ai loro prezzi, ma questi ultimi sono quelli praticati in alcune zone dell’Australia, dunque per noi Italiani ben poco interessanti.

http://www.youtube.com/watch?v=231tSVU0Nfw

[via]

Klippbok è da considerarsi un’operazione veramente furba, un modo per attrarre coloro che devono variare o creare lo stile della propria casa o del proprio ufficio, nonché gli appassionati di arredamento, di interior design, di moda e tendenze, oltre ai fan del brand, permettendo loro di “giocare” con i prodotti IKEA, di mettere alla prova la propria creatività e la propria passione per l’arredo, di “testare” visivamente le proprie idee, il tutto imparando a conoscere alcuni elementi del catalogo [in questo può essere assolutamente migliorabile] della nota marca svedese in modo divertente e utile.

Se vi chiedessero di provare tutta la collezione di abbigliamento di un brand non lo trovereste più entusiasmante rispetto a sfogliare un catalogo? Il principio è lo stesso, e ancora una volta i branded content sono più efficaci della pubblicità!

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Roma è piena di musei, mostre ed esposizioni di qualsiasi tipo, come avrete ormai capito le mie preferite sono quelle che riguardano le espressioni contemporanee dell’arte, anche perché mi offrono notevoli spunti di riflessione che mi tornano utilissimi quando poi si tratta di mettere a punto strategie creative per i brand dei miei clienti.

Al fine di condividere tale visione delle espressioni artistiche con i miei studenti del terzo anno di IED Management Lab, ho pensato di sfruttare un paio d’ore di lezione per visitare il Macro Future, la sede del Macro che si trova a Testaccio, proprio a due passi dallo IED di via Branca. In corso in quel momento: Israel Now – Reinventing the Future, “C’era una volta…” Gioco e Giocattolo, Big Bamboo.

MACRO FUTURE E LA PELANDA: LA STRUTTURA

Credo si possa affermare che il Macro Future è esso stesso un’opera di “archeologia industriale”, gli spazi espositivi sono infatti interamente ricavati da quello che un tempo era un mattatoio. Ganci, abbeveratoi, magazzini e stalle sono ancora perfettamente riconoscibili all’interno della struttura e non nascondo che – a mio avviso – le conferiscono ancora aggi un’aria greve e un po’ macabra nonostante le opere di ristrutturazione abbiano in tutti i modi cercato di alleggerire l’atmosfera, ad esempio utilizzando una gran quantità di bianco.

Nel momento in cui, però, gli spazi sono allestiti per mostre ed esposizioni, grazie alla sapiente organizzazione degli spazi, l’utente riesce sicuramente a dimenticare i trascorsi e la storia del luogo e a focalizzarsi sul suo attuale obiettivo: dar rilievo alle opere d’arte e mettere in risalto l’espressività contemporanea.

MOSTRA: “Israel Now – Reinventing the Future”

Israel Now – Reinventing the Future [fino al 17 Marzo 2013] si presenta come una mostra collettiva multidisciplinare che mette insieme ben 24 artisti israeliani provenienti da esperienze e generazioni differenti, alcuni di loro hanno attratto particolarmente la mia attenzione sia creativamente che emotivamente.

Shai Kremer, in due delle sue fotografie in particolare, ha saputo comunicarmi la molteplicità sempre attiva in ogni punto di vista: pieni, vuoti, prospettive inconsuete e riflessi sembrano voler ricordare che lo sguardo può ingannarci, mentire o condurci oltre i limiti di quel che chiamiamo reale. Un varco in un muro dissestato diviene la cornice di un panorama di terra brulla che ispira tanto a guardare oltre, quanto a disperarsi per la desolazione. Il riflesso della natura sul pavimento allagato di un edificio abbandonato può ricordarci tanto la forza temibile degli elementi, quanto che dalla distruzione si possono ricavare nuovi impeti per il cambiamento, anche radicale.

Le fotografie di Elinor Carucci propongono una inusuale rappresentazione del quotidiano, di istanti consueti ma mai banali, situazioni rubate all’intimità che – indipendentemente dalla propria provenienza geografica o del proprio pensiero ideologico – potremmo aver vissuto o lo abbiamo effettivamente fatto: un abbraccio per aggiudicarsi il telecomando, un gioco tenero e scherzoso tra madre e figlia, un momento di solitudine nuda di fronte allo specchio, il fastidio dei “pelucchi” sulla fronte quando ci si fa tagliare la frangia… Una riflessione sulla vita, sui dettagli irrinunciabili, sulle prospettive interiori.

“Island” di Nahum Tevet e “Following the white rabbit” di Guy Zagursky offrono due versioni in parte simili, in parte molto distanti dello skyline metropolitano.
Il primo lo ricostruisce in legno e vernice industriale, utilizza forme geometriche che comunque offrono abbastanza dettagli allo sguardo affinché possa ricostruire creativamente gli oggetti stilizzati: barche, palazzi e macchinari agricoli sembra quasi di vederli prender vita se si lascia agli occhi il tempo di “completarne” le forme complesse.
Il secondo utilizza materiali elettrici e parti di moderni apparati tecnologici per mettere nel suo “acquario” il plastico della città del futuro, illuminata ovviamente da una luce blu: seguendo il Bianconiglio, pare che l’artista si sia ritrovato in un contesto asettico e pulsante di attività nonostante sia apparentemente privo di qualsiasi forma di vita.
Entrambi hanno riportato alla mia memoria la metropoli di casse e imballaggi di Quarto Potere: le metropoli per i due artisti non son più collezioni di oggetti accumulati nel tempo da Mr. Kane, ma visioni stilizzate, depurate da ingombranti contenuti e dettagli, pure forme allegoriche e metaforiche.

Gal Weinstein mi ha portato su Marte, con le sue due opere dal titolo “Rusted Planet” di cui mi ha particolarmente attratto la ricerca materica. Le opere sono infatti realizzate in lana di acciaio e colla, il ché rende ancor più percepibile l’asperità del territorio rappresentato, lo rende “visibilmente” ruvido, tagliente, assolutamente inospitale. E la mia riflessione si è soffermata su quanto la scelta della materia in questo caso abbia connesso vista e tatto nonostante non si avesse la possibilità di toccare le opere.

Infine, “Culture Plate #7″ racconta in video come l’artista Michal Rovner vede l’umanità. Pare che Michal abbia messo l’essenza da egli percepita rispetto agli esseri umani in una provetta, l’abbia agitata generando panico e ne abbia osservato una goccia al microscopio: uno sciame di omini rosso sangue si rincorrono sotto la lente generando ansia in chi osserva quello che altrimenti sarebbe percepita come una grande Luna immobile proiettata su una parete. Tantissime le associazioni che scaturiscono dalla visione del video: la vita e il suo concepimento, la vita quotidiana e la sua frenesia, la morte come abbandono violento della vita, la necessità di fermarsi per individuare i propri obiettivi e la follia che scaturisce dal non farlo, le masse e i loro movimenti scomposti… e molto altro.

MOSTRA: “C’era una volta…” Gioco e Giocattolo

Degna di nota anche “C’era una volta…” Gioco e Giocattolo, l’esposizione presso la Pelanda [fino al 24 Marzo 2013 - ingresso libero], collettiva che si ispira all’universo ludico infantile e ne mostra le connessioni possibili con l’immaginario collettivo proprio di quello adulto: la Barbie diventa protagonista di superbe opere come “La gioconda” di Leonardo Da Vinci nelle opere di Jocelyne Grivaud, i social network più in voga ispirano le proprie icone al mondo del cinema o della propaganda nelle rappresentazioni di Francesco Visalli, una casa di bambole viene arredata con e come importanti quadri di arte contemporanea… Un percorso che si lascia apprezzare molto, soprattutto perché racchiude spazi che i visitatori più piccoli possono utilizzare per giocare in una pausa o alla fine della visita.

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Avete mai pensato a come sarebbe il mondo senza tessuti e morbidezza?
A come sarebbe arduo vestirsi e fare anche le cose più banali? Ho avuto modo di riflettervi per la prima volta grazie a uno splendido video Ikea che descrive, con molta creatività, alcune situazioni che potremmo trovarci a vivere in tale contesto. Assolutamente da guardare!

http://www.youtube.com/watch?v=1U8iPCf67A0

Niente vestiti, niente coperte, niente divani per come li conosciamo, niente asciugamani, né scarpe e tappeti: questa la versione Ikea del mondo senza tessuti. Sicuramente molto creativo e, direi, parecchio divertente, il tentativo in video usato per una delle campagne pubblicitarie lanciate dal noto brand. Pere che l’azienda di arredamento – e tessuti – svedese voglia a tutti i costi farci pensare a quanto “dura” e “pungente”, “rumorosa” e scomoda, sarebbe la nostra vita se non potessimo contare su lana, cotone, teli di spugna e quant’altro.

Siamo oramai abituati alle comodità, allo stile di vita legato ad alcune invenzioni e ad alcuni oggetti di uso quotidiano, che solo raramente ci rendiamo conto di quanto quelle che ci sembrano “piccole cose” abbiano cambiato il nostro modo di vivere, la nostra organizzazione sociale, le priorità da tenere in considerazione durante le nostre giornate.
Ovviamente lo spot Ikea è provocatorio, basato sugli stilemi connotativi dell’ironia, del paradosso, dell’iperbole, ma se non avesse tali caratteristiche, non sarebbe in grado di attirare la nostra attenzione e lasciarci porre a nostra volta alcune domande: io stessa mi son trovata a dover ammettere di fronte a questo video – dopo aver ridacchiato parecchio – di non aver mai preso in considerazione seriamente le conseguenze che comporterebbe rinunciare a uno o più materiali che fanno parte della mia quotidianità.

I tessuti in particolare sono qualcosa che è proprio difficile mettere in discussione: è più facile pensare a rinunciare a determinate tipologie di cibi e alimenti, a qualche tecnologia, a oggetti come l’automobile e la televisione; è abbastanza facile pensare [altro è metterlo in pratica, però] all’eliminazione di vizi o abitudini, cambiare la propria routine, il proprio contesto sociale, persino di inserirsi in un nuovo e differente scenario culturale… ma i tessuti, eliminarne uno – come capita in caso di allergie – è già complicatissimo, fare a meno di tutti è semplicemente impensabile!

Grazie a Ikea per i due minuti di risa e le due ore di grattacapi!

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